En 2007, il se tourne vers le design le plus visionnaire en s’associant à la marque O du designer hors-norme Ora Ito et créé avec celui-ci la société LH&R qui se consacre aux projets immobiliers de luxe.

Aujourd’hui, riche de son expérience, il fait appel au designer Vincent Cadéna pour créer Ventury Paris, qui propose un mobilier très haut de gamme en édition limitée.

Opportuniste, M. Touraine? Non, observateur et pragmatique. Car qu’attend-on aujourd’hui du design? Les plus fortunés exigent des produits d’exception qui sont aussi uniques qu’ils voudraient l’être, et les autres ont besoin de rêver. Une marque de très grand luxe a donc toute sa légitimité. Autant écarter très vite le reproche que des esprits critiques et jaloux pourraient lui faire: oui, il a les fonds financiers nécessaires, oui il mise beaucoup sur la communication, oui il maitrise parfaitement les codes du luxe et il se sert de tous atouts pour réussir son entreprise. Alors, à priori non, Ventury Paris n’est pas un prétexte fallacieux qui cache un appât du gain, ni le caprice d’un jeune homme qui s’ennuie vite. Et même si c’était le cas, ne soyons pas naïfs: on sacralise souvent le design en l’imaginant niché dans les imaginations désintéressées de créateurs cloitrés dans leurs ateliers. Or sans argent, le design serait mort. Et sans communication, il serait invisible.

Il y a une intention qu’Emmanuel Touraine clame haut et fort: Ventury Paris sera la première marque de design haute-couture. Le style de Vincent Cadéna est pur, graphique. Des lignes simples magnifiées par la sensualité d’un homme amoureux des femmes, et c’est la naissance de la première collection de Ventury Paris: The Divine Collection.

La Lounge Chair déploie ses courbes voluptueuses comme une amante langoureuse. Elle est faite d’un juste équilibre entre la simplicité et la sophistication.
Même si les collections évolueront, Ventury Paris restera fidèle à son principe fondateur: rendre hommage au passé, à l’artisanat, au grand style à la française, tout en étant tourné vers le futur. Le glamour côtoie la tradition, la mode rejoint le design. On le sait, le Yin et le Yang n’existent pas l’un sans l’autre et les plus belles créations sont celles qui font preuve de nuance, qui ne craignent pas de rapprocher les contraires.
Le mobilier est bien sûr fait main, avec des matériaux précieux et aussi inattendus que la mosaïque et le Corian, et les détails sont d’un raffinement extrême.

La Divine Collection est composée de quatre séries limitées, différentes par leurs finitions: Glam, Glitz, Steel et la toute dernière Pearl Summer, légère et insaisissable.

Elles doivent être considérées comme des pièces de haute joaillerie: créées avec patience et passion, dévoilées comme on révèle une jeune promise à son futur époux, avec pudeur, respect et admiration.

Les pièces de cette collection sont donc faite sur commande et sur invitation: il s’agit de conserver l’esprit confidentiel et élitiste de Ventury Paris.

Le site web, www.venturystudio.com, est à l’image de la marque: mystérieux et flamboyant.
La clientèle exigeante peut participer à le création en choisissant parmi de nombreuses matières de finition. On ne peut plus ignorer la demande générale de la foule assoiffée d’individualité: la customisation au moins, le sur-mesure si possible. Ventury Paris a bien compris cette revendication et la satisfait avec panache: chaque pièce est numérotée et porte une plaque où peuvent être gravées les initiales du propriétaire.

En pleine tendance écodesign qui tend à revenir aux valeurs sûres, à une vie faite de simplicité et d’émotions, la création d’une marque exubérante comme Ventury Paris peut surprendre. Mais finalement, the Divine Collection ne va pas à l’encontre de ce mouvement de fond, au contraire: elle privilégie l’humain, de celui qui la façonne à celui qui en fait l’acquisition, elle porte en elle l’amour du travail de ses artisans et les émotions de ses acheteurs. Et bien oui, derrière ses dorures, sous sa robe noire, scintille l’audace des sentiments.

Démonstration: Wis Design, un duo féminin suédois, s’est inspiré des tôles grillagées pour dessiner le Patch Cabinet. Ses niches sont occultées par des grilles aux motifs et couleurs différentes. Le résultat pourrait être un énième buffet de style industriel, alourdi de la nostalgie des métiers de l’artisanat pour faire rêver tous ceux qui se languissent de vivre dans un loft tout d’aluminium et de bois vieilli. Mais non, ce cabinet est d’une simplicité enfantine, emprunt de poésie, comme un patchwork gai et naïf. De plus, ces grillages permettent de commander à distance ses TV, lecteur DVD et autre chaine HiFi. La beauté graphique au profit du pragmatisme.

Autre prouesse réalisée par Riccardo Perazza: la table Girot. Le plateau en béton est taillé comme une dentelle futuriste, les lignes se croisent de manière presque obsédante. C’est une ville labyrinthe en 2D, c’est l’architecture des pleins et des vides qui rencontre le design de l’ombre et la lumière, c’est l’instant où le lourd et le brut croisent le monde des idées. On peut associer plusieurs tables de multiples façons pour se créer une table paysage.

Autre table, inspiration similaire, interprétation différente. Norayr Khachatryan a mêlé deux univers a priori incompatibles: la nature et le militaire, constatant que notre monde est fait d’inné et d’acquis, de vies naturelles et de créations humaines. Les pieds de sa table N-7 en aluminium sont certes anguleux, mais le designer avait en tête ceux d’une biche, graciles mais puissants. Une mise en forme de l’idée d’équilibre.

La modularité n’est plus une tendance, c’est devenu une revendication de tous. Associée à la fonctionnalité et à la simplicité, il en résulte des objets faciles à vivre. C’est le cas des modules de Urban. En polyéthylène et en forme de L de 144 cm sur 80, ils s’associent sans joint, verticalement, horizontalement, pour créer un espace, former une étagère, un écran de séparation, un banc. Claudio Bellini a mis son expérience d’architecte et de designer industriel au profit du design du quotidien. Urban est à la lisière de l’oeuvre d’art: quand les modules sont de couleurs différentes, c’est un Mondrian!

C’est aussi là le talent d’un éditeur: réunir des designers aux inspirations diverses et conserver une cohérence et une harmonie dans sa collection.
Sam Baron, responsable du département design de Fabrica, du groupe Benetton, rend un hommage respectueux au mobilier français du XVIII ième avec Marie Antoinette Pop, composée d’une petite commode, d’un guéridon et d’un miroir. L’association de la laque blanche immaculée et des poignées en noyer aux veines subtiles est aussi contrastée et raffinée que le lien entre les deux époques.

Les lignes sont douces, féminines, sobres, 3 adjectifs qui pourraient définir le design contemporain.

Notre siècle éperdu de nouveautés se souvient que le travail manuel est irremplaçable, et que la technologie doit l’assister, pas le contraindre. Nuance, un fauteuil créé par Luca Nichetto en est une preuve. Il a été conçu de manière à réduire les pertes de tissu. La couleur est à l’honneur, franche, chaleureuse. Elle exulte comme dans les années pop, mais elle entonne une musique plus mature, plus mesurée que dans ces années d’insouciance euphorique.

On retrouve cette même mélodie dans les Valises de Maarten de Ceulaer. Ce meuble de rangement exceptionnel est réservé aux objets qui vous sont les plus chers. Le revêtement est en cuir recyclé, les détails sont d’un raffinement extrême. Outre qu’il nous change de l’armoire massive ou du placard camouflé dans le mur, il est chargé d’émotions. Il y a des meubles qui racontent des histoires. Celui-ci parle des voyages interminables en train durant lesquels on transportait sa vie dans une cabine. Nous sommes des sédentaires ancrés dans notre confort mais nos rêves font de nous des nomades épris d’aventure. Il nous fait réfléchir à la rareté, à l’attachement aux choses, à l’accumulation, à nos châteaux de cartes qui menacent de s’écrouler à la moindre secousse.

Finissons avec les créations du prolifique Karim Rashid. Le canapé Kouch et le fauteuil Ouch sont l’exemple même de ce qu’on entend par confort aujourd’hui: des formes enveloppantes, rassurantes, des lignes douces et organiques. La détente des corps et des esprits nécessite une certaine humilité, en toute simplicité. Karim Rashid enrichit avec ces deux modèles son langage du “Soft World”, qui parle de revenir à l’essentiel, à la douceur de vivre.

Hétéroclite, dense, riche, cette dernière collection de Casamania est un concentré du design de demain: réfléchi, intelligent, au service des besoins de l’homme, mais aussi regorgeant d’émotions. Les objets acquièrent une présence presque vivante, il s’établit entre eux et nous, qui les avons créés, un lien affectif qui étrangement nous rapproche de nous-mêmes.

Fondamental, ou comment se tourner vers les “valeurs-refuge”, comme le montrait François Bernard au salon Maison et Objet 2009. En ces temps tourmentés, où notre avenir personnel et le futur de l’être humain sont obscurs, où la folie des grandeurs et l’extravagance ont fait des ravages, on aimerait pouvoir effacer toute cette déraison, repartir sur de nouvelles bases…revenir à l’essentiel.

Des couleurs neutres, des matériaux naturels, des design épurés, des meubles fonctionnels, nos intérieurs doivent évoquer la chaleur de la famille, la pureté du moment, le bonheur d’être vivant.

Il émane des chaises de Hans Wegner une douceur de vivre, comme si le temps qui passe n’avait plus d’importance.

Métropolurbaine, c’est une vision joyeuse de la ville, aux couleurs acidulées, à l’architecture légère, à la fantaisie communicative. Des suspensions en fis métalliques, des coussins imprimés de photos… et des carrés de verdure. La modernité citadine, ne serait-ce plus le béton, le gris, l’acier? Les citadins cesseraient-ils de se prendre au sérieux et de se parer d’une morosité qu’ils jugent élégante? Et bien oui, on peut être heureux de vivre en ville, et l’assumer.

Simply Ecolo, ce n’est pas une nouveauté pour Home autour du Monde, qui déjà en 1989 exposait des meubles construits avec le bois des fermes amish.
Les couverts sont en olivier, les bols en bambou, les tabourets en manguier, la matière brute se passe de fioriture et les lignes pures la mettent plus en valeur.

Des coussins en bâche recyclée, des poufs en bidon d’huile, des bancs en corde recyclée, la récupération n’est plus une élucubration d’idéaliste, mais une réalité économique qui rime avec esthétique.
Etre écolo, c’est aussi avoir les idées larges, se sentir citoyen du monde, s’imprégner des cultures lointaines, faire appel à l’artisanat des pays pauvres. Quelques objets ont un style ethnique raffiné qui s’intègreront aisément dans un intérieur contemporain.

Farm Projet, ce sont des meubles robustes en bois, à la ligne massive, évocateurs de pérennité, du travail manuel, de la vie de nos aïeux.

C’est aussi un bestiaire hétéroclite qui s’invite dans nos intérieurs. Dans les assiettes, sur les coussins, en doudou, en bougie, en figurine, les animaux sont représentés à foison.

Cet engouement pour nos amies les bêtes n’est pas nouveau; il y a même quelques années qu’on a vu apparaître les têtes de cerf en trophée et les créations d’Hybride. Mais ce qui a changé, c’est que cette esthétique animale n’est plus teintée d’ironie. Le Kitsh n’est plus, il faudrait désormais l’appeler “tendance nature”, “retour aux sources”…

Même le nain de jardin, qui, bien qu’ayant inspiré quelques designers, était traité avec un certain mépris, reprend une allure décomplexée. Ceux d’Home autour du monde ont un air bonhomme et enfantin.

Cette dernière collection de Home autour du Monde, bien que n’apportant rien de très nouveau, confirme que l’écodesign n’était pas une tendance éphémère, mais un mouvement de fond qui se consolidera sans doute à l’avenir.
Il y a cependant une nuance nouvelle et réjouissante : on se rapproche de la nature, non plus par culpabilité, ni pour faire pénitence, mais pour tous les plaisirs qu’elle nous apporte et dont on s’est privé trop longtemps.

La mauvaise conscience n’est plus de mise, le plaisir revient triomphant.

Les formes s’imbriquent les unes dans les autres, les lignes se croisent, les éléments glissent pour se rejoindre sans fusionner. La forme légèrement bancale de l’ensemble évoque un jeu de construction pour grands enfants.
De nombreuses compositions sont envisageables et les fauteuils s’assemblent et se dissocient au gré de vos envies.

La couleur a un rôle particulièrement important puisque ce canapé est proposé dans des camaîeux de bleus, de vert, de jaune, ou de rose.
Pour le VIA, qui vient d’ailleurs de décerner deux labels à Confluences, Philippe Nigro avait collaboré avec les Compagnons du devoir pour créer un canapé très similaire: Intersection. Celui-ci poussait plus loin le travail sur la couleur puisqu’à la superposition de deux chauffeuses, le ton était le résultat du mélange des teintes de celles-ci.

Même si on peut regretter que cette belle idée n’ait pas été conservée, Confluences est une création intéressante pour son caractère d’oeuvre d’art entre sculpture et tableau abstrait.

La Végétal, éditée par Vitra, est née de l’intérêt des Bouroullec pour l’art topiaire du XXième siècle, qui consistait à tailler un arbre jusqu’à lui donner, par exemple, la forme d’une assise.
Il s’agissait d’imaginer un siège qui évoquerait une plante en plein développement.

Les bandes plates qui s’entrecroisent comme les nervures d’une feuille forment une structure irrégulière et enveloppante.

Son élaboration a nécessité 4 ans de travail et cela mérite d’être souligné pour mentionner la difficulté de faire correspondre une idée, un concept, un croquis avec le processus de fabrication industrielle.
C’est l’injection en polyamide qui a été choisie: la matière plastique se diffuse dans les ramifications d’un moule en acier, comme la sève dans les branches d’un arbre, et elle se solidifie grâce à la chute brutale de température. Il a fallu apporter quelques modifications au projet initial pour que le résultat soit homogène, notamment changer la forme des bandes qui devaient être cylindriques.
Le passage du dessin manuel à la simulation numérique en 3D révèle souvent des surprises, bonnes ou mauvaises, qui obligent à réinventer la structure.

Quoiqu’il en soit, ces difficultés nous échappent et le résultat est bel et bien fluide, tout en souplesse et harmonie.

Cette nouvelle création des frères prolifiques du design français réunit deux tendances majeures: la nature et l’abolition de la frontière entre le indoor et le outdoor puisqu’elle est utilisable tant en intérieur qu’en extérieur.

“Forme pure/ Pur contraste” revient à l’essentiel en faisant découler la forme de la fonction: les meubles ont une ligne simple et ergonomique, sans redondance de style, pour laisser respirer l’intérieur qui les accueilleront.

Ce sont donc bien les matières et les couleurs qui sont mises en valeur.
Les matières se côtoient pour s’enrichir mutuellement de l’essence de l’autre. La pierre brute devient précieuse en s’associant au métal brillant, le mat s’illumine avec les reflets du vernis, le bois se féminise grâce à la douceur du tissu.

Les tons essentiellement neutres sont ravivés par des touches de couleurs profondes et ambigües: vert anis, aubergine, violet, turquoise…

Sensuelle, joyeuse, cette nouvelle collection est, espérons-le, une preuve que nous revendiquons la simplicité naturelle pour abriter notre intimité et que le design est en pleine métamorphose qui le rapprochera de l’humain.

Ce designer hollandais s’inspire du passé en l’actualisant avec la technologie actuelle et instille à toutes ses créations une grâce poétique et une féminine.
Shadowy est inspiré du mobilier de plage de la mer du Nord dans les années 20. Mais les motifs aux couleurs vives sont numérisés et les fils en plastique sont tressés par des maîtres artisans africains.

L’alliance de l’éthnique, du baroque et de l’art déco ,sous le signe de l’humour et de la poésie, donne naissance à un style singulier et attendrissant.

Le dossier démesurément haut, les accoudoirs et l’assise du Shadowy Chair se terminent par des volutes courbes qui lui donnent l’allure d’un trône de prince excentrique. La ligne du lit de bronzage Sunny Longer est pure et effilée, se terminant par une volute qui sert d’appui-tête.

Pour le même éditeur, Patricia Urquiola a dessiné elle aussi une ligne de mobilier extérieur, Tropicalia, tressée de fils de plastique. Le style est radicalement différent de Shadowy puisque la ligne est géométrique, toute en facettes.

Mais il semble que le tressage soit une tendance actuelle, tant elle inspire nombre de designers. Nous en reparlerons…

Mais lorsque le plateau est en bois, on ressent une toute autre impression, celle d’éternité et de beauté inégalable de la nature, tant les veines du bois sont mises en valeur.

Samuel Accocebery a dessiné les Check Tables en pensant à un échiquier géant dont elles seraient les pions, concevant l’aménagement d’une pièce comme un jeu dont on ne se lasse jamais. La partie supérieure est enduite à la main d’une laque travaillée en dégradé. Ce procédé inédit laisse subtilement se dévoiler les veines du bois.

Enfin, les poufs Island sont disponibles dans de nombreux revêtements, mais ils sont particulièrement intéressants en cuir. Des bandes en flanelle surpiquées en soulignent la pureté et le grain du cuir fait jouer très discrètement la lumière à sa surface. Dispersés dans le salon, ces cailloux à l’élégance intemporelle sont comme des repères pour créer une harmonie dans l’espace.

Repéré par le VIA , qui révèle les talents innovants du design de demain, et récompensé par le prestigieux Red Dot design Awards, S.Accoceberry a par ailleurs dessiné une étagère flexible Infinity et la chaise Air Chair dont le dossier se compose également de lamelles de bois superposées.

Un designer qui s’amuse avec les matières, bouscule les codes établis, revisite les classiques. A suivre, donc…