En 2007, il se tourne vers le design le plus visionnaire en s’associant à la marque O du designer hors-norme Ora Ito et créé avec celui-ci la société LH&R qui se consacre aux projets immobiliers de luxe.

Aujourd’hui, riche de son expérience, il fait appel au designer Vincent Cadéna pour créer Ventury Paris, qui propose un mobilier très haut de gamme en édition limitée.

Opportuniste, M. Touraine? Non, observateur et pragmatique. Car qu’attend-on aujourd’hui du design? Les plus fortunés exigent des produits d’exception qui sont aussi uniques qu’ils voudraient l’être, et les autres ont besoin de rêver. Une marque de très grand luxe a donc toute sa légitimité. Autant écarter très vite le reproche que des esprits critiques et jaloux pourraient lui faire: oui, il a les fonds financiers nécessaires, oui il mise beaucoup sur la communication, oui il maitrise parfaitement les codes du luxe et il se sert de tous atouts pour réussir son entreprise. Alors, à priori non, Ventury Paris n’est pas un prétexte fallacieux qui cache un appât du gain, ni le caprice d’un jeune homme qui s’ennuie vite. Et même si c’était le cas, ne soyons pas naïfs: on sacralise souvent le design en l’imaginant niché dans les imaginations désintéressées de créateurs cloitrés dans leurs ateliers. Or sans argent, le design serait mort. Et sans communication, il serait invisible.

Il y a une intention qu’Emmanuel Touraine clame haut et fort: Ventury Paris sera la première marque de design haute-couture. Le style de Vincent Cadéna est pur, graphique. Des lignes simples magnifiées par la sensualité d’un homme amoureux des femmes, et c’est la naissance de la première collection de Ventury Paris: The Divine Collection.

La Lounge Chair déploie ses courbes voluptueuses comme une amante langoureuse. Elle est faite d’un juste équilibre entre la simplicité et la sophistication.
Même si les collections évolueront, Ventury Paris restera fidèle à son principe fondateur: rendre hommage au passé, à l’artisanat, au grand style à la française, tout en étant tourné vers le futur. Le glamour côtoie la tradition, la mode rejoint le design. On le sait, le Yin et le Yang n’existent pas l’un sans l’autre et les plus belles créations sont celles qui font preuve de nuance, qui ne craignent pas de rapprocher les contraires.
Le mobilier est bien sûr fait main, avec des matériaux précieux et aussi inattendus que la mosaïque et le Corian, et les détails sont d’un raffinement extrême.

La Divine Collection est composée de quatre séries limitées, différentes par leurs finitions: Glam, Glitz, Steel et la toute dernière Pearl Summer, légère et insaisissable.

Elles doivent être considérées comme des pièces de haute joaillerie: créées avec patience et passion, dévoilées comme on révèle une jeune promise à son futur époux, avec pudeur, respect et admiration.

Les pièces de cette collection sont donc faite sur commande et sur invitation: il s’agit de conserver l’esprit confidentiel et élitiste de Ventury Paris.

Le site web, www.venturystudio.com, est à l’image de la marque: mystérieux et flamboyant.
La clientèle exigeante peut participer à le création en choisissant parmi de nombreuses matières de finition. On ne peut plus ignorer la demande générale de la foule assoiffée d’individualité: la customisation au moins, le sur-mesure si possible. Ventury Paris a bien compris cette revendication et la satisfait avec panache: chaque pièce est numérotée et porte une plaque où peuvent être gravées les initiales du propriétaire.

En pleine tendance écodesign qui tend à revenir aux valeurs sûres, à une vie faite de simplicité et d’émotions, la création d’une marque exubérante comme Ventury Paris peut surprendre. Mais finalement, the Divine Collection ne va pas à l’encontre de ce mouvement de fond, au contraire: elle privilégie l’humain, de celui qui la façonne à celui qui en fait l’acquisition, elle porte en elle l’amour du travail de ses artisans et les émotions de ses acheteurs. Et bien oui, derrière ses dorures, sous sa robe noire, scintille l’audace des sentiments.

Démonstration: Wis Design, un duo féminin suédois, s’est inspiré des tôles grillagées pour dessiner le Patch Cabinet. Ses niches sont occultées par des grilles aux motifs et couleurs différentes. Le résultat pourrait être un énième buffet de style industriel, alourdi de la nostalgie des métiers de l’artisanat pour faire rêver tous ceux qui se languissent de vivre dans un loft tout d’aluminium et de bois vieilli. Mais non, ce cabinet est d’une simplicité enfantine, emprunt de poésie, comme un patchwork gai et naïf. De plus, ces grillages permettent de commander à distance ses TV, lecteur DVD et autre chaine HiFi. La beauté graphique au profit du pragmatisme.

Autre prouesse réalisée par Riccardo Perazza: la table Girot. Le plateau en béton est taillé comme une dentelle futuriste, les lignes se croisent de manière presque obsédante. C’est une ville labyrinthe en 2D, c’est l’architecture des pleins et des vides qui rencontre le design de l’ombre et la lumière, c’est l’instant où le lourd et le brut croisent le monde des idées. On peut associer plusieurs tables de multiples façons pour se créer une table paysage.

Autre table, inspiration similaire, interprétation différente. Norayr Khachatryan a mêlé deux univers a priori incompatibles: la nature et le militaire, constatant que notre monde est fait d’inné et d’acquis, de vies naturelles et de créations humaines. Les pieds de sa table N-7 en aluminium sont certes anguleux, mais le designer avait en tête ceux d’une biche, graciles mais puissants. Une mise en forme de l’idée d’équilibre.

La modularité n’est plus une tendance, c’est devenu une revendication de tous. Associée à la fonctionnalité et à la simplicité, il en résulte des objets faciles à vivre. C’est le cas des modules de Urban. En polyéthylène et en forme de L de 144 cm sur 80, ils s’associent sans joint, verticalement, horizontalement, pour créer un espace, former une étagère, un écran de séparation, un banc. Claudio Bellini a mis son expérience d’architecte et de designer industriel au profit du design du quotidien. Urban est à la lisière de l’oeuvre d’art: quand les modules sont de couleurs différentes, c’est un Mondrian!

C’est aussi là le talent d’un éditeur: réunir des designers aux inspirations diverses et conserver une cohérence et une harmonie dans sa collection.
Sam Baron, responsable du département design de Fabrica, du groupe Benetton, rend un hommage respectueux au mobilier français du XVIII ième avec Marie Antoinette Pop, composée d’une petite commode, d’un guéridon et d’un miroir. L’association de la laque blanche immaculée et des poignées en noyer aux veines subtiles est aussi contrastée et raffinée que le lien entre les deux époques.

Les lignes sont douces, féminines, sobres, 3 adjectifs qui pourraient définir le design contemporain.

Notre siècle éperdu de nouveautés se souvient que le travail manuel est irremplaçable, et que la technologie doit l’assister, pas le contraindre. Nuance, un fauteuil créé par Luca Nichetto en est une preuve. Il a été conçu de manière à réduire les pertes de tissu. La couleur est à l’honneur, franche, chaleureuse. Elle exulte comme dans les années pop, mais elle entonne une musique plus mature, plus mesurée que dans ces années d’insouciance euphorique.

On retrouve cette même mélodie dans les Valises de Maarten de Ceulaer. Ce meuble de rangement exceptionnel est réservé aux objets qui vous sont les plus chers. Le revêtement est en cuir recyclé, les détails sont d’un raffinement extrême. Outre qu’il nous change de l’armoire massive ou du placard camouflé dans le mur, il est chargé d’émotions. Il y a des meubles qui racontent des histoires. Celui-ci parle des voyages interminables en train durant lesquels on transportait sa vie dans une cabine. Nous sommes des sédentaires ancrés dans notre confort mais nos rêves font de nous des nomades épris d’aventure. Il nous fait réfléchir à la rareté, à l’attachement aux choses, à l’accumulation, à nos châteaux de cartes qui menacent de s’écrouler à la moindre secousse.

Finissons avec les créations du prolifique Karim Rashid. Le canapé Kouch et le fauteuil Ouch sont l’exemple même de ce qu’on entend par confort aujourd’hui: des formes enveloppantes, rassurantes, des lignes douces et organiques. La détente des corps et des esprits nécessite une certaine humilité, en toute simplicité. Karim Rashid enrichit avec ces deux modèles son langage du “Soft World”, qui parle de revenir à l’essentiel, à la douceur de vivre.

Hétéroclite, dense, riche, cette dernière collection de Casamania est un concentré du design de demain: réfléchi, intelligent, au service des besoins de l’homme, mais aussi regorgeant d’émotions. Les objets acquièrent une présence presque vivante, il s’établit entre eux et nous, qui les avons créés, un lien affectif qui étrangement nous rapproche de nous-mêmes.

En effet, c’est le mobilier extérieur qui s’est revêtu le premier de fibre synthétique tressée, ultra sophistiquée puisque devant résister à toutes les avaries de la nature. L’esthétique discrète et intemporelle se fond respectueusement dans l’environnement, les meubles légers se déplacent facilement. Deux atouts qui ont rendu la résine brevetée Rope ou Hularo très populaire.

Jean-Marie Massaud a été séduit par la transparence du maillage organique. Sa cloison Green pour Dedon est une oasis de fraicheur, qui isole sans confiner.

La frontière entre l’intérieur et l’extérieur tendant de plus en plus à disparaitre, le tissage est entré dans nos maisons , jouant de son charme à nous faire rêver d’ailleurs.
Le designer philippin Kenneth Cobonpue créé des meubles impondérables comme des pirogues, aux courbes organiques, et dont la transparence laisse entrevoir un paysage enchanteur et des sensations de douceur: le vent caressant, le sable pur, l’eau cristalline. Or la corde Abaca que K. Cobonpue emploie est généralement utilisé pour les filets de pêche.

Nous y voilà: le travail manuel, méticuleux, patient, propice à le rêverie ou à la réflexion, apaise les citadins stressés par la frénésie de leur quotidien. On en a tellement besoin, de ces parenthèses hors du temps, de ces gestes lents et répétitifs qui ponctuent le silence.

L’entremêlement des fils vire à l’obsession dans le Reel de B&B Italia: cette pièce qui peut servir de pouf ou de table basse est construit comme une spirale hypnotique.

Mais oublions le symbole et revenons-en aux effets visuels du tissage. Patricia Urquiola les utilisent à merveille dans le fauteuil Tropicalia pour Moroso: la structure est épurée, les superpositions créént plus ou moins d’opacité, et les ombres projetées au sol magnifient le siège.

En fils plastiques colorés, il a un style ethnique et joyeux , mais en cuir, il acquiert une dimension d’accessoire raffiné ,à mi-chemin entre l’artisanat et la haute couture.

Urquiloa excelle dans l’art d’imprégner ses créations d’une féminité précieuse délicate. Pour B&B Italia, elle a poussé plus loin le tressage, allant jusqu’à retranscrire un ouvrage au crochet dans le haut dossier du fauteuil Crinoline.

Pour l’éditeur de mobilier d’extérieur Kettal, sa ligne Maia joue sur la complexité d’un entrecroisement ténu et arachnéen.

L’autre vertu du tressage, c’est la souplesse. Pour Poltrona Frau, l’architecte Dominique Perrault a créé un siège recouvert d’un maillage de cuir qui laisse toute liberté au mouvement du corps. La structure rigide est allégée par les ondulations de sa robe.

Outre le mobilier, les tapis se prêtent parfaitement à cette tendance. Toutlemonde Bochart a fait grand usage du tissage de laine, de cuir et de fibres naturelles. Les subtils reliefs ainsi créés offrent des sensations variables au toucher.

Les luminaires jouent bien sûr avec les effets de transparence du tressage. Foscarini présentera à Milan en avril 2009 la lampe dessinée par Marc Sadler, Tress, dont la structure évoque un ouvrage d’architecture.

Terminons avec deux créations ultra contemporaines qui reprennent avec humour le tricot de nos grands-mères.
La première est du designer suédois Daniel Hedner, du studio Imaginary Office, qui a conçu le canapé Pleats Pleats, enfantin et audacieux, comme un macramé géant.

Enfin, les sièges Phat Knits du plasticien néerlandais Bauke Knotterus s’apparentent plus à des oeuvres d’art qu’à du mobilier. Et même si leur beauté est discutable, ils apportent une dimension nouvelle: celle du Do-It -Yourself, prise au premier degré. La modularité est devenue si incontournable dans le design du mobilier contemporain que cet artiste vous propose de tricoter vous-même votre canapé.

Une tendance est toujours révélatrice d’une aspiration particulière d’une société. Que révèle donc cet engouement pour le tressage? Les extrêmes appelant les extrêmes, le rythme effréné de nos vies nous font aspirer à la lenteur, la vitesse étourdissante des avancées technologiques nous font regretter le travail manuel de nos ancêtres. Mais ce qui est le plus frappant dans le design actuel, c’est cette perpétuelle quête de lumière et de liberté. L’opacité angoisse, l’entrave étouffe, mais l’imagination et l’auto-dérision sont des échappatoires redoutables pour les dictatures de toute sorte.

Fondamental, ou comment se tourner vers les “valeurs-refuge”, comme le montrait François Bernard au salon Maison et Objet 2009. En ces temps tourmentés, où notre avenir personnel et le futur de l’être humain sont obscurs, où la folie des grandeurs et l’extravagance ont fait des ravages, on aimerait pouvoir effacer toute cette déraison, repartir sur de nouvelles bases…revenir à l’essentiel.

Des couleurs neutres, des matériaux naturels, des design épurés, des meubles fonctionnels, nos intérieurs doivent évoquer la chaleur de la famille, la pureté du moment, le bonheur d’être vivant.

Il émane des chaises de Hans Wegner une douceur de vivre, comme si le temps qui passe n’avait plus d’importance.

Métropolurbaine, c’est une vision joyeuse de la ville, aux couleurs acidulées, à l’architecture légère, à la fantaisie communicative. Des suspensions en fis métalliques, des coussins imprimés de photos… et des carrés de verdure. La modernité citadine, ne serait-ce plus le béton, le gris, l’acier? Les citadins cesseraient-ils de se prendre au sérieux et de se parer d’une morosité qu’ils jugent élégante? Et bien oui, on peut être heureux de vivre en ville, et l’assumer.

Simply Ecolo, ce n’est pas une nouveauté pour Home autour du Monde, qui déjà en 1989 exposait des meubles construits avec le bois des fermes amish.
Les couverts sont en olivier, les bols en bambou, les tabourets en manguier, la matière brute se passe de fioriture et les lignes pures la mettent plus en valeur.

Des coussins en bâche recyclée, des poufs en bidon d’huile, des bancs en corde recyclée, la récupération n’est plus une élucubration d’idéaliste, mais une réalité économique qui rime avec esthétique.
Etre écolo, c’est aussi avoir les idées larges, se sentir citoyen du monde, s’imprégner des cultures lointaines, faire appel à l’artisanat des pays pauvres. Quelques objets ont un style ethnique raffiné qui s’intègreront aisément dans un intérieur contemporain.

Farm Projet, ce sont des meubles robustes en bois, à la ligne massive, évocateurs de pérennité, du travail manuel, de la vie de nos aïeux.

C’est aussi un bestiaire hétéroclite qui s’invite dans nos intérieurs. Dans les assiettes, sur les coussins, en doudou, en bougie, en figurine, les animaux sont représentés à foison.

Cet engouement pour nos amies les bêtes n’est pas nouveau; il y a même quelques années qu’on a vu apparaître les têtes de cerf en trophée et les créations d’Hybride. Mais ce qui a changé, c’est que cette esthétique animale n’est plus teintée d’ironie. Le Kitsh n’est plus, il faudrait désormais l’appeler “tendance nature”, “retour aux sources”…

Même le nain de jardin, qui, bien qu’ayant inspiré quelques designers, était traité avec un certain mépris, reprend une allure décomplexée. Ceux d’Home autour du monde ont un air bonhomme et enfantin.

Cette dernière collection de Home autour du Monde, bien que n’apportant rien de très nouveau, confirme que l’écodesign n’était pas une tendance éphémère, mais un mouvement de fond qui se consolidera sans doute à l’avenir.
Il y a cependant une nuance nouvelle et réjouissante : on se rapproche de la nature, non plus par culpabilité, ni pour faire pénitence, mais pour tous les plaisirs qu’elle nous apporte et dont on s’est privé trop longtemps.

La mauvaise conscience n’est plus de mise, le plaisir revient triomphant.

Les formes s’imbriquent les unes dans les autres, les lignes se croisent, les éléments glissent pour se rejoindre sans fusionner. La forme légèrement bancale de l’ensemble évoque un jeu de construction pour grands enfants.
De nombreuses compositions sont envisageables et les fauteuils s’assemblent et se dissocient au gré de vos envies.

La couleur a un rôle particulièrement important puisque ce canapé est proposé dans des camaîeux de bleus, de vert, de jaune, ou de rose.
Pour le VIA, qui vient d’ailleurs de décerner deux labels à Confluences, Philippe Nigro avait collaboré avec les Compagnons du devoir pour créer un canapé très similaire: Intersection. Celui-ci poussait plus loin le travail sur la couleur puisqu’à la superposition de deux chauffeuses, le ton était le résultat du mélange des teintes de celles-ci.

Même si on peut regretter que cette belle idée n’ait pas été conservée, Confluences est une création intéressante pour son caractère d’oeuvre d’art entre sculpture et tableau abstrait.

Mais lorsque le plateau est en bois, on ressent une toute autre impression, celle d’éternité et de beauté inégalable de la nature, tant les veines du bois sont mises en valeur.

Samuel Accocebery a dessiné les Check Tables en pensant à un échiquier géant dont elles seraient les pions, concevant l’aménagement d’une pièce comme un jeu dont on ne se lasse jamais. La partie supérieure est enduite à la main d’une laque travaillée en dégradé. Ce procédé inédit laisse subtilement se dévoiler les veines du bois.

Enfin, les poufs Island sont disponibles dans de nombreux revêtements, mais ils sont particulièrement intéressants en cuir. Des bandes en flanelle surpiquées en soulignent la pureté et le grain du cuir fait jouer très discrètement la lumière à sa surface. Dispersés dans le salon, ces cailloux à l’élégance intemporelle sont comme des repères pour créer une harmonie dans l’espace.

Repéré par le VIA , qui révèle les talents innovants du design de demain, et récompensé par le prestigieux Red Dot design Awards, S.Accoceberry a par ailleurs dessiné une étagère flexible Infinity et la chaise Air Chair dont le dossier se compose également de lamelles de bois superposées.

Un designer qui s’amuse avec les matières, bouscule les codes établis, revisite les classiques. A suivre, donc…

Le design lui-même doit évoquer la langueur. Le Sumo de Baleri Italia est une ode aux rondeurs réconfortantes. Les plis du Heaven de Cassina ont été savamment étudiés pour inciter à s’y étendre de toutes les façons les moins conventionnelles. S’asseoir sur un fauteuil, c’est souvent s’apprête à vivre un moment de retrouvailles avec soi-même. Pour qu’il soit profitable, la structure de l’assise est couramment inspirée d’un cocon réconfortant. Dossier légèrement incliné, assise relevée, le corps peut s’abandonner sans retenue.

Le canapé, pièce maîtresse d’un salon, n’a certes pas la même vocation, mais il dévoile ses formes lascives avec un bonheur croissant. Les surfaces d’assise sont profondes, les dossiers bas, les accoudoirs larges, les coussins épais et moelleux.

Mais chacun a sa propre conception du confort. Pour qu’on puisse être acteur de sa vie au quotidien et adapter ses meubles à ses envies du moment, la modularité est de mise. C’est même devenu une revendication primordiale. Fauteuil, chaise-longue, méridienne, pouf s’assemblent et se dissocient. On ajoute des tablettes, une banquette, des coussins. Les dossiers et accoudoirs s’inclinent, parfois jusqu’à l’horizontale, pour former un lit d’appoint. Un canapé est polymorphe: on s’y repose certes, mais on y travaille aussi, on y reçoit, on y discute. A chaque situation, sa configuration.

Patrick Norguet vient de recevoir le Wallpaper design Awards 2009 du designer de l’année 2009. Or sa création pour Artifort, Manhattan, est pour le moins épurée. On joue les architectes en agençant ses blocs à sa guise.

Dunlopillo, la célèbre marque française de literie, lance sa ligne de mobilier et a fait appel à la non moins notoire Matali Crasset pour lui dessiner un canapé. Compo’sit est un modèle de modularité: l’assise peut servir de repose-pied, on rapproche deux sièges pour créer un siège d’enfant surélevé, une rainure centrale permet d’y glisser son journal ou sa télécommande.

L’ergonomie n’est pas réservée aux canapés. Les cuisines sont sensées être pratiques et fonctionnelles. Les rangements sont de plus en plus souvent de profonds tiroirs pour qu’on puisse accéder facilement à tous les ustensiles. Le four est à hauteur d’yeux et à portée de main pour ne plus nous contraindre à des acrobaties. Les robinets sont flexibles, les plans de travail sont larges, tout est mis en oeuvre pour que la préparation des repas reste un plaisir sans perdre de temps.

C’est bien de plaisir dont on parle le plus en design aujourd’hui. Les esthétiques alambiquées, les mécanismes complexes fatiguent nos esprits déjà trop sollicités.
On revendique des sensations pour reposer nos âmes.
Ainsi, le tapis, qui jusque là était plutôt destiné à structurer l’espace, à agrémenter le sol ou plus prosaïquement à protéger le parquet, est désormais porteur d’émotions.

On s’y allonge, on le caresse en rêvant, on y médite dans le dénuement. Très en vogue cette année, le cuir chaud et sensuel et les longues mèches qui s’emmêlent entre nos doigts. Même le bref moment durant lequel on le foule doit susciter l’étonnement, provoquer une étincelle, évoquer un ailleurs. Les reliefs mouvants sous nos pieds, les tissages épais, les mèches courtes et larges sont autant d’occasion de s’évader.
La nature, souvent lointaine, souvent rare, nous manque si cruellement que le tapis se propose de nous en offrir les effluves: des trèfles en cuir, des fleurs en feutre, des champignons en laine. En fermant les yeux, on peut s’imaginer allongé dans un champ désert, inondé de soleil et de chants d’oiseaux.

Mais certains designers vont plus loin: le tapis est un lieu de vie à part entière. Le Flying Carpet de Nanimarquina est un paysage vallonné où l’on s’installe comme dans un immense canapé en toute liberté.

On aborde donc un aspect fondamental du confort actuel: la polyvalence. Un objet n’a plus une fonction unique mais, débarrassé de ses cadres rigides, il peut avoir diverses utilités.
Les paravents en sont une illustration explicite. Les panneaux articulés qu’on plantait au milieu du salon pour créer différents espaces sont en voie de disparition. Désormais, ce sont également les bibliothèques, ouvertes de part et d’autre, qui marquent une séparation.

Les paravents sont eux aussi des espaces de rangement: le SoftWall de B&B Italia est conçu pour y caler tous ces petits riens dont on a besoin au quotidien. Les paravents sont aussi des espaces de communication: on peut y accrocher des messages d’amour, des instructions, des photos souvenirs.
Les codes se brouillent, les frontières s’évanouissent.

Le design prend peu à peu une autre dimension, un supplément d’âme. La nôtre. Car voilà la réjouissante nouveauté: l’objet prend vie à notre contact, il s’enrichit de notre présence, il dévoile toute sa sensualité sous nos caresses. C’est un nouveau rapport entre l’homme et l’objet qui se profile: intéractif et émouvant. On déclarait l’homme perdu, étouffé par son orgueil, aseptisé par sa technologie, dépassé par sa soif de pouvoir, et voilà qu’il nous prouve qu’il aspire aux frissonnements du plaisir simple d’être vivant. La poursuite du bonheur donne des ailes au design.

Ainsi vont les tendances, il y a ceux qui les créent, ceux qui les suivent et ceux qui font mine de les ignorer.
Toujours avides d’inédit, elles se nourrissent de l’imagination des esprits anticonformistes.
La mode Vintage était née et a vite séduit tous ceux qui supportent mal d’être un misérable atome perdu dans la masse laborieuse, consommatrice, esclave d’elle-même.

On veut des pièces uniques, qui ont de plus l’avantage délicieux d’être imprégnées d’une époque que l’on n’a pas connue, mais dont on rêve comme d’un âge d’or révolu.

Pour cette foule de nostalgiques éplorés, le Salon du Vintage offrira les 27 et 28 septembre le privilège de s’approprier des parcelles du passé.
Nous avons tous éprouvé une émotion teintée de fascination et de mélancolie, interpelés par la vitrine d’un antiquaire. Le mobilier XVIIIème est réhabilité au point que les designers les plus en vogue le revisitent en lui greffant des touches XXIème.
Mais le Design proprement dit a aujourd’hui presque un siècle. Et ses débuts suscitent le même enthousiasme que la mode vestimentaire.

Mus par le désir de personnaliser leur intérieur, les Français se sont mis à dévaliser les vide-greniers et à chiner un moulin à café, une bouille à lait, des draps en lin brodés.
Et voilà qu’aujourd’hui, les designers prônent la récupération.

Deux déferlantes, écologie et nostalgie, qui convergent vers cette inéluctable engouement pour les objets qui ont fait le quotidien de nos aieux, témoins muets des palpitations de leurs vies.
Sommairement, le Vintage désigne les objets, si possible cultes, des années 20 aux années 80. Et chacun d’eux symbolise un tournant majeur dans l’évolution du design, et plus largement dans l’Histoire, fruits de mouvements culturels que leurs initiateurs défendaient corps et âme comme s’il fût question de se libérer du joug d’un dictateur.
Peut-être aussi sommes-nous assoiffés de cette fougue, de cette adhésion totale à ses idéaux, de cet élan révolutionnaire, dont nos esprits, englués dans une société normalisée et confortable, manquent cruellement.

Comme les enfants qui sélectionnent avec exigence leurs trésors qu’ils ramassent au gré de leurs pérégrinations rêveuses, il faut se rendre chez XXO pour trouver des pépites plus ou moins rares du Vintage.
La caverne d’Ali Baba pour les blasés d’Ikéa.

Petite récapitulation de ces icônes du XXème siècle.

Années 20, années folles.
La guerre et son armée de peurs et de privations se sont tues. On fête le retour à la vie dans l’euphorie, la luxure, les matières rares, un mode vie raffiné et un mobilier qui lui sied comme un gant de satin noir.
Mais plusieurs groupes se forment pour lutter contre cette sophistication stylistique destinée à l’élite.
L’UMA, l’Union des Artistes Modernes,dont Le Corbusier fut un membre prolifique, le Bauhaus en Allemagne, fondé par Walter Gropius, et le mouvement De Stilj, mené par Mondrian aux Pays Bas, tous prônent une production industrielle et des formes simples, géométriques, influencées par le cubisme.

Charlotte Perriand, Pierre Jeanneret, Jean Prouvé, Mies Van Der Rohe, Marcel Breuer sont quelques uns des grands noms du Fonctionnalisme. Leurs créations intègrent des plaques de verre et des tubes d’acier, si bien qu’elles se sont intégrées sans peine dans les lofts des citadins qui rêvent d’une vie d’artiste, très à l’aise dans leur écrin de poutres de métal et de béton ciré.

Les années 50 sont caractérisées par deux revendications quasi contradictoires.
Les designers scandinaves comme Alvar AAlto, Eero Saarinen et Arne Jacobsen réhabilitent les matières naturelles comme le bois et le cuir. A caresser des yeux et à respirer comme un bon cigare à la Galerie Dansk.

Dans nos intérieurs contemporains, ils évoquent une certaine douceur de vivre, un confort simple et élégant, comme s’ils se suffisaient à eux-mêmes, sans recours à des artifices superflus. Un dénuement paisible et contemplatif.
D’autre part, Raymond Loewy déclare que “la laideur se vend mal”. Il sera le premier designer industriel et donnera aux objets du quotidien le droit d’être beaux.
De nouveaux matériaux sont apparus: nylon, plexiglass, polyester, polystyrène. Le territoire du possible devient infini: toutes les formes sont désormais réalisables.

Verner Panton, Izamu Noguchi se consacrent à des formes organiques, souples, intemporelles. Leur mobilier s’accorde volontiers avec d’autres styles, tant il est discret sans être fade, vivant sans être envahissant, poétique sans être onirique. A tel point que ce sont eux les véritables acteurs du film “Mon Oncle” de Jacques Tati, que l’on regarde aujourd’hui comme un documentaire un brin caustique sur la société de consommation émergente.

Ouaaah, les sixties.
Qui ne connait pas le yéyé, le oola oop, Salut les Copains, le Flower Power? Libération des moeurs, tous les standards explosent. On danse sur du disco, on s’aime à plusieurs, on montre ses jambes, on fume du cannabis et on hal_lu_cine. Le Pop, quoi…

Les designers italiens contribuent très largement à la génèse du style spécifique de cette époque insouciante. Aujourd’hui, dans les salles des ventes, la côte de Gio Ponti s’envole, tant on redécouvre l’empreinte transalpine. Elle a le secret d’unir une dose d’épicurisme assumé avec une certaine retenue aristocratique.

C’est l’apogée du plastique, des couleurs éclatantes et surtout du orange, et de la télévision. On a vu l’homme marcher sur la lune alors on se met à rêver de soucoupe volante, à imaginer les intérieurs d’un futur de science-fiction. Nous voilà les yeux rivés sur demain.
Joe Colombo clame l’Antidesign: il s’agit de repenser l’habitat à partir du design et non de l’architecture. Le mode de vie a changé, le mobilier se doit de s’adapter: enveloppant, ergonomique, généreux avec les corps qui se découvrent et s’épanouissent.

Les années soixante-dix sont celles du béton, des barres d’immeubles dénués d’humanité. La crise.

De mauvais augure. Nous voilà en 80 et son désenchantement et son air blasé par la course effrénée au succès. Les Punk se réfugient dans l’anarchie en hurlant “No future”.
Le Radical Design, défini par le Groupe de Memphis dirigé par Ettore Sottsas, fait preuve d’un humour outrancier, d’une provocation ostentatoire, comme une rébellion désespérée contre un avenir irréversiblement noir.

Des pièces si présentes qu’elles sont mises au rang d’oeuvres d’art, frôlant le mauvais goût.

Que doit-on conclure de cet engouement pour l’esthétique de ces cinquante dernières années?
Sans doute qu’il est urgent que les designers se fédèrent autour d’une cause, au lieu de se focaliser sur leur notoriété.
L’Ecoconception, si il s’avère que c’est une démarche sincère, pourrait bien redonner foi au public en la création actuelle.

Aujourd’hui, on lui reconnait ses reflets infinis et sa luminosité. Paradoxal? Pas à en croire les éditeurs de tissus comme Elitis, qui en utilisant le découpage laser, le laissent jouer avec la lumière.

La tornade baroque a déferlé avec fracas, elle s’essouffle mais elle a laissé ses marques sur les papiers-peints. Et puisqu’on reproche au noir de rétrécir l’espace, il s’associe aux arabesques métallisées, pour accrocher les rayons du soleil que nos intérieurs citadins laissent entrer avec parcimonie.

Mais une autre vision de la déco intérieure revient après des siècles de silence: un lieu de vie ne se doit pas seulement d’être fonctionnel, il peut aussi et surtout être une oeuvre d’art au quotidien.
Pour preuve, le lieu sacré du blanc sort sa tenue des grands soirs: la cuisine vire au noir! De Diétrich, LG, Bosch, ont sorti leur ligne d’électroménager dark. Même nos éponges se mettent à la tendance: notre bonne vieille Spontex est désormais disponible en noir.

On aurait pu présager de cette métamorphose depuis qu’on prépare notre pot-au-feu dans un espace High Tech tout de métal et de Corian. Nous y voilà: le noir comme couleur de la pureté. Son autel, la salle de bain, était tout naturellement paré des tons de l’eau: bleu translucide, blanc évanescent. Et si la légèreté était plus évidente dans une antre obscure? L’intimité des ablutions prend une toute autre dimension si elle se protège de pierres noires: ardoise, grès cérame, zélyges magnifient la solitude du corps avec l’eau. Emery vient d’ailleurs d’ajouter le noir à sa palette de couleurs de carrelage.

Le noir a cette magie de peupler la transparence de mille vies inaccessibles: un verre en cristal, c’est beau certes, un lustre en cristal noir, c’est un évènement signé Starck. Baccarat a osé s’aventurer sur ces terres vierges.

Il faut bien admettre qu’un luminaire noir donne à l’éclairage une existence à part entière, une matière presque palpable.

Etrangement, alors que le noir évoque la nuit, les draps noirs sont assez rares, comme si le sommeil nous faisait si peur qu’on aurait besoin de se protéger dans du linge bariolé. Ceux qui ne cherchent plus les monstres sous leurs lits oseront donc dormir dans des étoffes lourdes d’impertinence.

Si, comme le disait le poète, les objets ont une âme, le noir donne à nos ustensiles du quotidien une dimension qui va bien au-delà de leur fonction utilitaire. Un verre, un vase, une poubelle, tous ces oubliés de nos regards, bravent notre mépris avec la couleur la plus opaque, la plus impénétrable, la plus grandiose.

Comme les grands noms ont planté leur drapeau de pionners du coté de l’obscur, les enseignes plus populaires suivent sans hésiter: Conforama, Leroy-Merlin, Atylia ont créé leur ligne noir et blanc. En effet, ce n’est pas une nouveauté, le noir et le blanc forment un couple fusionnel. Profitant du succès récent de l’esthétique sixties, les motifs graphiques jouaient de nos illusions d’optique pour donner du relief à nos tissus. Désormais, leur union créé un moment unique proche de la perfection, nous laissant entrevoir l’harmonie idéale que symbolisent le Yin et le Yang.

L’élégance absolue est intemporelle. Que ce soit sur un tapis dans un intérieur contemporain, sur un fauteuil Louis XVI ou sur des rideaux encadrant des fenêtres haussmanniennes, le noir et le blanc enlacés soulignent les volumes, enrichissent le mobilier d’une touche d’audace et valorisent l’espace d’une présence aussi onirique qu’évidente.

Certains designers ont matérialisé l’expression “humour noir” en créant des objets que leur couleur sauve du grotesque et les élève au rang de sculptures exubérantes. Le noir s’accommode volontiers de la démesure.

Le Noir est mort, vive le Noir!

Puisqu’il faut innover sans cesse pour que son nom soit connu du milieu saturé du design, les créatifs ont songé à faire entrer le papier peint dans la 3d, en le parant de pliages, d’origamis, de bijoux. a consommer avec modération car il est plus proche du tableau que du revêtement mural.

La plupart des éditeurs s’appuie sur des motifs classiques éprouvés, mais en les épurant et en leur apportant une touche d’humour trashy. L’audacieux Marie-Antoinette de Sofia Coppola a incité beaucoup de créateurs à transposer l’esthétique des XVII et XVIII èmes siècles dans notre époque. La toile de Jouy a remercié ses bergères en rubans et convoque des couples en positions coquines, les médaillons se détachent sur des couleurs vives et fraiches, les volutes baroques osent le rose fluo.

Toutes les tendances se rejoignent, alors pour s’harmoniser avec un mobilier Art Déco, les décors vintage ressortent des archives.

Réédition suite. Les créations des années soixante sont enfin sorties du purgatoire et exhibent leur plastique plastiquée dépréciée il y a peu car évocatrice de l’apologie de la consommation de masse irrespectueuse de l’environnement. Pour les nostalgiques d’intérieurs colorés jusqu’à l’écoeurement, les papiers peints osent les motifs psychédéliques à la limite du supportable.

Mais comment revisiter les fleurettes du salon de Mémé? En les démarquant sur un fond métallique ou en oubliant l’alignement des bouquets et en les laissant s’épanouir sur la surface. Ou encore en les associant à une démarche écologique comme Graham and Brown ou Casamance. L’encre n’est pas toxique et le papier et l’emballage sont recyclables.

Ou comme le designer Shi Yan, en leur faisant une bonne blague: voici le papier-peint sensible à la chaleur. Les fleurettes apparaissent quand le radiateur est allumé.
Le papier-peint fait donc appel à la magie pour nous séduire. Le A3P (Association pour la promotion du papier-peint) a récompensé Ich and Kar pour le Phosphowall: l’encre se gorge de lumière durant la journée et la restitue le soir. Un revêtement lumineux, l’idée est belle et a été poussée plus loin dans l’onirisme par Jonas Samson.
De la poésie au surréalisme, le seul pas à franchir est celui du sur-mesure. Surréalien vous propose un papier-peint dont les rayures suivent les contours de tout ce qui se trouve sur leur passage: interrupteur, cadre, porte…De quoi arrêter les substances hallucinogènes. Planant et même un peu inquiétant, mais contraignant car si vous voulez changer le cadre de place, il faut aussi changer le papier.

Que les pièces soient trop spacieuses ou trop étroites, un revêtement unique risque d’être étouffant et vite lassant. Les lés uniques permettent de créer des zones de vie dans un même espace, comme autant de petites mises en scène. The Collection nous fait gagner de la place en suggérant le recours aux trompe-l’oeil: une lampadaire, une bibliothèque, une chaise…
Si l’impression numérique est aussi sollicitée, c’est parce qu’elle apporte aux murs la troisième dimension qui leur manque.
Chez soi, on veut respirer sans contraintes. Les couloirs de métro, de bus, de taxi, de vélo, de cantine, c’est derrière la porte. Contempler dans son canapé un paysage plus vrai que nature, c’est une pause roborative pour nos esprits confinés.

Nos intérieurs ne le sont plus tout à fait. Les citadins qui apprécient l’art de la rue peuvent faire appel à des graffeurs pour faire d’un mur une oeuvre unique.
Décidément, les murs opaques perdent peu à peu leur nature protectrice et nous font suffoquer. On tend à les remplacer par des surfaces vitrées, mais en attendant d’habiter dans des tours comme celle de David Fischer, dont les appartements de chaque étage pivoteront en suivant la course du soleil, on repousse leurs limites par l’illusion.

En attendant,donc, rêvons encore…